文章发表人是: 酸奶饼干

疯子！自省！！！是独自反省的意思，不是到处叫别人反省的意思！

LS的别争了。有人的地方就会有是非。

地球少了谁都不会不转。不喜欢这里的规则，那去别的地方玩呗。全世界200多个国家和地区，任君选择，终有一款适合您！

哈哈，张弘是中心第五代小黄牛~~~

飘过~~

SSY啊~~我没有说演员不好哦。这些孩子一年半前我就接触过啦。挺熟悉的说的。我也觉得他们很努力的

观后感十二葛楚记
表情说明一切。
编剧不情愿，所以始终没有笑容。演员几乎都没有笑容。服化还是一如既往的从台上悄悄撤离。
问了个问题：“去年的龙先生（今年的美术指导）和导演（今年的帮手）分别怎么看这部作品。”结果是不情愿的问和不情愿的答。

关于同学的评价和雷同的评价在《123跳房子》http://www.china-drama.com/jbbs/posts/list/4739.page里已经都说过了。试着让自己冷静下来。

很喜欢《葛楚记》，去年的那个。
简单的舞美。一张床，舞台中央的；一把椅子，稍稍靠右摆放；一个衣帽架，孤独地立在11点位置。接着就是画龙点睛的红雨伞，白睡衣。这就够了。
干净的表演。很能沉住的龙先生，始终保持着那种中年男人的气质；哀怨的葛楚，平平淡淡地讲自己的故事；不算抢戏的龙套，把故事的线索一一带出。

纠结于《葛楚记》，眼前这个。
舞美可以用得更好。将近十块背景板既然做了滑轮，是否可以让撤景的时间缩短。亦或者，让十块背景版在音乐声中在舞台上旋转，穿过。
当然背景板正面的水墨画，把古代的气氛渲染至极，很美，让我想放在房间里当屏风。当然背景板反面的黑白红三色把剧中人物的情绪进一步做足。
补充说，特别喜欢最后红光洒在观众席中的感觉，一种意境美。
表演可以更入戏些。难为了星宿剧社的同学们。没有足够的剧务，演员们往往在一场戏结束后，便开始参与换景。换得那么投入，在黑暗中找对背景板和对准地标很艰难。于是大家在每场戏里都仿佛置身事外，用身体和嘴巴讲台词，用脑子想接下来要怎么搬道具。
所以说表演和舞美的结合需要量力而为。舞美再漂亮，仍然是个摆设。观众欣赏的原点是人的表演，纯粹的，毫无外界干扰的表演。

后面由于种种原因，最后三篇观后感不能发了。再次和拉链道歉。

观后感十、十一梦叠长征、有雷无雨
两个充满故事的剧社。
飞那儿那是一样的强，编导、演员都很出彩，原创的剧本让人眼前一亮。楼兰也是一如既往的厉害，导演、个别演员一如既往的专注，让人感觉在看电影。

两种剧社剧社传统的传承
飞那儿始终坚持原创，如果我没有记错，她是5届大话节中唯一从头到底坚持原创的剧社。相信每个粉丝都会很开心。说实话，我就是飞那儿的粉丝。当年的《等到戈多》看了四遍！
楼兰则相反，记忆里好像几乎都是上演经典的。但是这种经典的上演，结合了很多自己的想法，每次都很出彩。每年看到楼兰进决赛我都会想，这次他们会怎么诠释剧本。
这两种剧社传统都是非常好的。一则，谁说大学生剧社就演不出好的原创剧目，二来，谁说大学生就一定要原创，把经典演出味道来，同样是需要功力的。
而且，从演出中，从演后谈里，我又看到了两个剧社的求新求变。
李然在转型,这是我看到的《梦叠长征》给我的感觉。虽然包子说是想年年要创新的缘故，但是我还是固执己见吧。谈谈自己的根据。《等到戈多》、《给我想》、《玩哦?芝加哥》三个作品是前面三届的，这三个作品的形式感很强，很注重在表面上牵动观众的心（当然潜台词同样丰富）。《醉生梦不死》就今天的《梦叠长征》来说，可以堪称一个过度，一个故事娓娓道来，只是还没有完全去掉那种形式上的心理游戏。《梦叠长征》又进了一步吧。虽然舞台还是玩得意境，但是对手戏的两两组合，歌队的运用都是在为了讲完整一个故事而努力。这个故事很平淡，很干净，甚至没有太多出彩的地方，可是留给观众思考的余地更多了。
很喜欢李然的这种转型。这是编导风格的大的转变吧。当上爸爸沉稳了？
楼兰同样在做着尝试。从演后谈里知道。他们曾经努力去原创过，但是很遗憾失败了。毫不气馁地画几天时间排除另一个作品的精神太棒了！如果不算04年根据三毛的《哭泣的骆驼》改编的作品，05年没有进决赛，后来的《群猴》、《天堂的风铃》、和今天的《有雷无雨》都诠释得相当到位。尤其是今天的这个，在了解到原来剧本里的散伙饭场景居然还是楼兰在几个月前真实尝试过的，那舞台上的充满信念感的演出也就不无道理了。想和楼兰的同学说，既然已经准备尝试原创了，那就再多使把劲，相信明年的大话节决赛能看到你们努力的结果。

一种真诚
今天的演出还有两个令我感叹的地方。
飞那儿像往常一样把李然放在来舞台上，虽然他不是学生，但是飞那儿的同学很亲切地把他看成剧社一份子。是指导老师又怎么样，如果一个老师能坚持支持一个社团五年，这本身就是一件了不起的事情。
楼兰在最后没有忘记把剧社的指导老师请上台，还把手中的鲜花献给了他。这需要多大的勇气！这是在向评委大声的说，我们是有专业的指导的，但是我们原因公布出来，当台的献花是他应得的荣誉。
最后那位指导老师说了和疯子之前讨论的主题——真诚。
我在这里把真诚理解为对观众，对评委的真诚。
观众不会因为有指导老师而骂一部好戏不好看，评委也不会因为剧社有指导而忽视同学们的努力成果。可是我想不明白为什么有很多剧社要把这件很好的事情藏着掖着。一件公开的秘密，难道怕影响分数？怕显得自己不够专业？说实话我通过很多不同的渠道了解了很多剧社的排演情况，或多或少，进决赛的剧社都会用自己的方式获得一些专业的辅导（剧盟组织的除外），这个是大家肚子里都清楚的。甚至是大家在平时聊天时都会作为谈资的。可是这样一件事情在演后谈里就变得异常地见不得人。好像是天大坏事一样。每次有观众问道编导专业性的敏感问题时，我都会仔细观察回答同学的举止，很多的故事在眼睛里流露，在肢体动作里显露。可是话从口出，千篇一律的我们自己怎么怎么样，就是闭口不提我们接受过怎样的指点，因此我们有哪些受益。
这里不是在说学校剧社的坏话，关键问题是一种真诚的态度。有时候指导者能够看见被指导者完美的演出就已经会很满足了。但是像今天飞那儿、楼兰、还有前两天CRAZY那样敢于把指导者光明正大地放倒台前的，或者在演后谈里简单提到的做法是不是会让指导者们更加开心？试问，决赛看到现在，不用说今年，历年来，敢于在感谢致辞里加入对指导者感谢的剧社又有多少？

废话一段——又一次没有实质地谈作品的好坏。看了那么多场，累了，该说的都说了，再说就成了祥林嫂了。可是剧社戏外的故事永远都比舞台上的故事精彩，这个我百说不厌！

观后感九我们遗失关于未来的记忆
【第一段不同视角的再现。
……
林栩馨人为什么会有那么多事值得怀念。是不是所有的路人在无数的偶然性下遇见，然后又在一个必然性时分开。我们好像一个是鸟一个是鱼。我们都活在一个蓝色的世界里。却隔着世界上最遥远的距离。（合上日记本）
哦，我又忘了给你开灯了。（苏彦杰从幕布后走出来，现形）
……
【昏暗，撤道具，再亮
【疯子在台上（偏左），哭泣（肢体动作）那扇门碎了。
【无声）
【子涛上台身背一扇门，在中央放好，打开门，走过门——暗场
【录音林栩馨子涛你知道么，世界上所有的都是不健全的人。不只是看不见的人，疾病缠身的人，迷路的人。其实所有的人都是不完整的。我终于相信，其实也未来是一种记忆。只是我们不再拥有那一种可能。我们都是丢失关于未来的记忆的人。我们都是时光洪流里的——失忆者。

实在对不起华理剧组同学的同学，我知道自作主张地把别人剧本里的东西发出来不好，但是还是忍不住啊。就一段，并且部分是没有出现在舞台上的那一小段。

之所以发这个是因为当时我有幸看完本子之后，有种惆怅，觉得这是一个好本子。故事娓娓道来，像一杯香茗，像一幅印象画，它说着一个感觉的故事，却充满情绪。
但是很好的一个舞台呈现被导演最后半小时的画蛇添足毁了！痛心疾首！
其实最后半小时里的任何一个段落暗灯后我都想鼓掌说，够了，别再演了，再演下去就没有感觉了。相反，我贴出来的这个结尾不是很好吗。如果就在某个惆怅的环节上嘎然而止，那会干净很多。

另外这个作品的本子我看过两个版本，第一个版本让我无比惊讶。几乎所有台词前的人名提示都是用“——”来代替的。
—— 你吃饭了吗？
—— 我吃过了。
就是这样。昨天终于看到了编剧本人，一个看上去很内向，很活在自己世界里的男孩子。我想他这么做的可能有三种。一种是本子是被逼出来的，一种是他写到HIGH了就收不住笔了，所以不想让人名这种小事情来耽误情绪，还有一种比较极端的就是他根本没有看过别人的剧本。
虽然随便里面的哪种可能都不是很重要，但是结果反映了一个问题。导演和编剧的交流肯能会发生困难。因为学生戏不同于专业剧团，编剧作为剧组的一份子，参与到作品排练过程中是必不可少的。试想一个剧组成员间的交流可能都会有困难，那剧本意图的展示又将何去何从。当然这一点从演后谈当中，编剧看着地板，用高深的语言来回答观众提问的架势也能解释。

不过对于华理的同学们来说，这出戏还是成功的。从《永远的微笑》到《费加罗的婚礼》，华理貌似缺少一些原创的动力。记得永远的微笑几乎照搬了金士杰的舞台呈现。但是今天我们看到了一部华理的原创作品。这是一种进步！就像我感觉中华师大的变化、上大的转型一样。这样都让人感觉到一阵喜悦！

观后感八我喜给你看
每个人都有自己钟爱的事物，戏剧、食品、服装、家具甚至口头禅。

我喜欢上大的这部作品。
写实的舞美、比较流畅的调度、风格化的人物和演员对人物的体会。
其中我最关注的还是演员对人物的体会。就像演后谈里那位扮演奶奶的同学说的。她和奶奶一起住，和许多老年人是邻居，所以她熟悉老人们的行为方式；她会去看一些电视剧，分析别人怎么演老人。这就够了，一句简单的演后谈说出了她在排练过程中的努力。戏剧不就是源于对生活的观察吗。最早的戏剧不就是日常生活中，百姓在田间的自娱自乐吗。当然同样出色的还有爸爸和妈妈两个角色。虽然爸爸的角色过了点，妈妈的角色做作了点，但是这些都不妨碍我们看出他们对日常生活观察的用心，和大体上的表现到位。
令人遗憾的是两个小孩子，他们是所有人物中最弱的。放在这个转折的段落里并不是说他们不好，只是有点小小的建议。其实每个成人都会有这样的问题——随着年龄的增长，我们越来越能够驾驭成熟，可是儿童的天真和纯情却怎么也模仿不回来了。是心里的想法太多了吗？是生活给思想的枷锁太沉甸甸了吗？还是我们早就忘记了童年是怎样玩变形金刚、耍无赖哭闹的。看的出两个小孩子在用力想把小孩演好，他们肯定也琢磨了半天小孩子的想法，可是他们忘记了小孩子的想法很简单，很一根筋。（本来以为90年后，2000年后的小孩会想法复杂点，但是最近教着的一群小孩还是和我们小时候一样）于是我看见舞台上两个小大人在那里使劲地扮小孩，扮自己没有真正熟悉的角色。想对他们说，天真点，纯粹点，大胆点。

疯子说这部作品是对主旋律的一种反讽。他承认他的过度阅读。我却认为主旋律不可怕，可怕的是高大全。就像我们都知道美片也有主旋律，千年不变的压轴演讲突出英雄，可是人家知道怎么将主旋律生活化。《我喜给你看》有点类似的意图。生活中的琐事总是令人熟悉的。相信很多在台下看戏的人都有过剧中情节的经历。我一边看一边就在回想自己小时候的生活，那是一个像啊。一边看一边想，脑海中三姑六婆，七婶八姨的形象都跃然而出。当老奶奶为了即将搬迁而惆怅落泪的时候，我也有种落泪的冲动，当年看着空荡荡的破旧拆迁房，保藏着这个童年秘密的小螺丝壳，却那么地舍不得。这就是共鸣吧。

我不想再去纠结于这部作品存在的问题，学生戏能做到这样就是一个成功了。况且这还是青鸟的转型之作。之前的《青鸟》、《暗恋》、《D小调》、《葛楚记》充满了许多个人色彩的烙印，但是这部作品可以看出更多集体创作的智慧。而且，在一个剧社没有一个强势人物的存在，社长服务于大家安心做剧务，导演专心排戏，剧组共同出谋划策的时候，这种团队的凝聚力更加令人刮目相看。要知道这需要剧社成员们有多大的自律和互助精神。
咖啡说要是下次上大排不出那么好的东西就要鄙视他们。我看也未必吧。我相信在这个作品之后，虽然有的社员会因为种种原因而退出，虽然再排出更好的作品要一段时间酝酿，但是一个剧社找到了一种良好的气质和氛围，那出好作品只是时间问题。

最后想说，听说《我喜给你看》在下河的演出不算很成功，今晚的演出要好很多。我想这就是剧社同学们一起团结努力的结果吧，有时候被逼上梁山时，依靠自己比依靠别人更加有用。

观后感七仰望星空
回来一看，大家都已经发了感想了。我迟到了。

我觉得该说的已经都说过了，在前面的帖子里。什么技巧啊，手法啊，多听耳朵会生老茧，也犯不着让诸如我是神马玩意来得意自己的戏还凑合。

其实我对包子她LG拉链在演后谈里为大家介绍的一种教育戏剧的方式“论坛戏剧”特感兴趣。我想这种教育戏剧的形式应该也会更加适合华政的同学们排演。
既然我们已经看到了《找光》、《零档案》、《新编仲夏夜之梦》等作品，感叹了原来戏剧还可以这么做，那论坛戏剧更加可以在下届大话节里尝试一下。只是不知道那个剧社会有这样的勇气。

先介绍一下论坛戏剧吧。主要就是在一个编的“有问题、有破绽”的剧本基础上，让观众参与到戏剧中来。具体的参与方法是，在观众看完一段演出之后，可以在下一段演出中随意打断演员的表演。后然观众可以上台替换掉其中任何一个角色，通过自己的表演将文本进行下去。当然，在这个论坛戏剧的过程中，没有不可被替换的角色，甚至一个观众刚在台上表演了一分钟，如果下面有人愿意，他也可以直接上台继续替换。

我觉得这种形式适合华政的模拟法庭。沃原可以排一个不完整的法庭戏，然后在剧场里演出，演出的内容么：律师辩论，案件重现都可以。每个观众根据前面的演出，都可以在后面的讨论中直接把自己的想法通过表演的方式呈现出来。
这对大家未来的适应期有很大帮助，应对突发事件的能力也会加强。

观后感六新编仲夏夜之梦
戏剧史的教科书上说，《仲夏夜之梦》是莎士比亚青年时期最成熟的一部喜剧，同时也是属于他早期乐观人文主义时期的作品。

某潜水员在刚才的电话里和我说这部作品没有学生们自己的思想，他要看的是学生们的思想而不是莎士比亚的思想。
于是他举了个例子：“我高喊‘我拥护党的领导’。旁人说‘我拥护你’。那旁人就是在拥护我。所以复旦视觉的同学是拥护了莎士比亚的思想，是拥护了莎士比亚，而不是他的思想” 事实真是这样吗？我不认同，我觉得旁人拥护的同样是党，是和谐。

所以我觉得复旦视觉的同学们也真的是在展现自己的想法，就像他们导演不小心说到的那样——任何刻意的改变不一定是好事，普普通通的生活有时才是最好的。言者无心，听者有意，他们能理解莎士比亚想通过剧本告诉大家的想法，就是最大的亮点。并且他们的演出已经证明了这一点。
我为他们感到骄傲。

当然，不可否认的是真，整个作品有点像某些企业年终做的PARTY SHOW，基本上是怎么好玩怎么来。但是这样没有错，因为剧本的选择关系，《仲夏夜之梦》就是需要这么来操作。说不定几个世纪以前，莎士比亚为了吸引别人来观看，同样在自己经营的剧场里极尽搞笑之能。而且上戏60周年大庆的《仲》剧不也是让演员在台上喷火玩儿吗，并且当时选择这样一个剧目也就是因为热闹，因为那种坚持自我，平淡是真的想法。

既然大家选择了这样一个作品，那我们也没有理由去过多的苛责其他，怎么好玩怎么来，哪怕他们想加入“北京欢迎您”也没有问题，只要能做得出彩，就好。

观后感五震
地震的时候我很感动，于是连着两天感了一个本子。最后导师和我说这个东西还是别拿出来排比较好，后来想想也是。当大家都习惯了看到电视里真是的灾难，再看舞台上的写意。真实与虚幻之间，哪个更让人感动呢？
感谢中医药的同学们给了我一个新的视角——灾难过后，那些远离灾难的人是如何来看待灾难，看待自己，反省自己的。
可是这个作品却有许多令人遗憾的地方。
而这些遗憾归结起来可以用一句话来表述——什么都想要，但是结果什么都要不好。
首先，是文本的编写上。我在开头听到了寝室里学生对未来的迷茫，消息传来大家对灾难的不同反应，大家行动起来以后想为灾区做些什么，以及最后大家对自己的反思。应该说这样的文本逻辑顺序没有问题，也很自然，让人看得很纯粹。但是在一个1小时多点的作品里，要把这些段落都做透，问题就来了。每个环节都想要，可是每个环节都挖不深，结果会显得很不具备说服力。会让我觉得打动我的不是文本创作本身，而是我脑海里关于灾难回忆的再次被触发。还好这个戏有最后结尾处的神圣誓言做结尾，不然可能连拔高主题的空间都没有了。
其次，在舞台总体呈现上。又要说道编剧导演的什么都想要的心态了。话剧中心为大学生们提供了足够多的道具固然是件好事，但是既然这个戏的大部分环节是写意的，那又何必再去刻意布置出寝室呢？为了帮助宣传中心的道具库库存齐全？所以我想，如果那个寝室也被写意化，那就能让观众们看得更加流畅些，不会觉得场与场之间的视觉体验不平衡。关键的问题是，那些搬景的环节一少掉，整个作品就可以流畅起来，甚至灯光的转换也可以自如很多，场与场的衔接也迅速多了。
第三，是情感表达问题。且不说剧组成员和看这篇观后感的超人。各位看官可以回想一下，自己在日常生活中如果在高兴的时候突然遇到一件让人生气的事情，自己的情绪转化是否会有那么十几秒钟哪怕几秒中的过渡。如果不幸被我言中，这几秒钟的情绪过渡里，自己的肌肉，骨关节位置，眼神什么的是否会有相对的变化。如果再次被我不幸言中。这就说明了一个问题。任何一个人的情绪表达都是有一个过程的。基本上每个参赛剧目都会有这样的情况。演员在表演时，突然从一个情绪跳到了另外一个情绪,这是一件让人很摸不着头脑的事情。对于《震》这样一部突出人物反思的作品来说，情绪转换的问题更加被凸显出来。
有人也许会说学生吗，不能要求太高。但是在这里反应的不是要求如何，是大家在排练的过程中是不是正的去感知生活去了解生活了。如果每个人在日常排练，平时剧社常规的戏剧排练过程中，甚至日常生活中好好去感受自己或者他人（最低要求，自己的好朋友），那我相信不论是编剧也好，演员也好，都可以很好的把握作品的情绪、人物的情绪变化。
这些是我觉得本作品最大的问题吧，当然其他的诸如电影化思维，肢体剧形式运生硬等问题相对来说就不是那么明显了。

说完坏话，再说说好的吧。据说这个戏的男主角在前两天紧张得一塌糊涂，让全剧组的人都提心吊胆，但是今天演出我觉得他状态调整得很不错，相信是全体社员共同努力的结果。这种结果说明了一个问题，中医药的同学很非常的团结。因为大家的这种团结，所以男主角能感觉到集体像家一样的温暖。
众志成城，这才是剧社存在和生存下去的根本。

天佑中华，吾省吾身！

观后感四 123跳房子
123跳房子是出好戏！理由有三！
1、就像宣传单片上导演阐述说的，他想让观众在生活中的一些片段里回忆起这个戏的片段。
他的目的达到了。他让我回忆起了以前在剧社里的种种。记得刚当社员的时候我是个小屁孩，很听话。虽然有时候会和师哥师姐们交流思想，但是在舞台上我会全力执行导演和编剧的想法。后来当了社长，我开始给剧社成员们灌输自己的想法，反而对他们的想法进行挑选听。（光听自己喜欢的了）。再后来，离开了剧社，我会去帮助那些被123跳房子的制作人（戴白帽子，穿粉红背心那个）称为孩子们的师弟师妹。但是我知道那个舞台已经不属于我了，所以我选择幕后。
看完戏以后我不知道怎么样来写这篇观后感。因为我在本能地回想作品给我的信息，我在本能地回想制作人在台上的表现和我过去的表现。
于是我发现这是一部好的作品，它的好不仅戏内，还在戏外。我相信站在台上的每个演员都已经激动得说不出话了，因此也只有一个比较轻松的，整场演出中忙碌搬放道具的同学在呼应着制作人。其他同学都在回想着自己的经历，自己在排练中的快感，自己在舞台上的快感。让制作人说去吧，这是一个剧社成熟的标志！

2、应技大的同学做到了其他学校同学所不能。
我无数次的想和西瓜虫说，不要那么专业得去看学生作品，他们需要的是玩的精神。可是这么一种简单的玩票的精神，在前四届大话节中，在第五届大话节的前三场演出中我看不到。大家都在为了做得专业，为了赢得比赛做出了很多自以为专业却让专业人不屑的作品。
可是应技大的同学成功了。他们把玩的概念发挥到了极致。对啊，就像我们小时候经常玩的123跳房子。生活就是一种玩。
谁说台词一定要说得字正腔圆，谁说舞台的调度要做到前后一致，谁说布莱希特不可以每3分钟出来一次，谁说话剧舞台不能变成一场歌舞秀，谁说无实物一定不能和现实场景同台出现，甚至谁说学生一定需要有属于他们的舞台话语权？学生不能在演后谈里紧张得不敢说话一定要让别人代言？

3、在导演的带领下，应技大的同学突破了十数小时做个肢体剧的传统
以前的传统很好。在前两届里，应技大的肢体剧给现实主义风格主导的大话节带来了一丝新鲜空气。他们为同学们介绍了一种新的舞台呈现方式。让同学们知道了原来戏剧还可以这样来表现。
现在传统被打破了。应技大的风格转变不像扬之水那么的激烈。现实主义和写意风格的结合可以看成是个过度。我觉得也是唐璜的情境喜剧与聂本杰的中戏风格的融合。这是一件好事，这说明一个剧社正在不断地走向成熟。可能这种成熟是同学们独立不能完成的，所以要已经毕业的校友来帮助完成。这也是应技大的特色。他们敢于将指导老师的名字，专业导演的名字，专业灯光，专业舞美的名字打在宣传册上，并且告诉大家，我们不屑那些扣分，我们在做我们觉得快乐的事情这就够了。至于因为这些原因而导致的扣分使得作品拿不到任何奖，我们无所谓。开心么。只要展现真实的自我就可以了。
一贯以来的张扬，应技大好样的！但是希望不止是道具，不止是制作人会张扬，希望所有的演员能够在打破剧社风格的同时，把这种张扬的气质延续下去，千万不要让孩子他爸，他妈等毕了业的人去帮助展现。

继承昨天主持人的专业提问。
首先要说明一点，所有的学生演员都很好，你们尽力了，我看到了大家最完美的演出，每个人都是好样的！可能大家因为接触戏剧时间不长的关系，所以会出现一些舞台呈现上的缺陷，或者舞台纪律方面的问题，这个都是在以后的日子里可以改进的。我看好你们未来的作品。并且也相信导演给你们做的工作坊里，大家都有自己的收获，这些对于你们未来的人生道路也会是个很好的锻炼。加油！

但是，我想对专业导演提问。
1、作为一个中戏毕业的导演系学生，你凭什么能排除那么一个烂戏，你敢请你们的导演系老师来看吗？！
2、作为一个中戏导演，你可能会强调同学们的表演水平不行，但是舞台基本的调度原则你知道吗？！
别说你只是要带大家玩。学生们不是专业，他们玩没有错。可是你的导演没有让同学们知道什么样的舞台呈现才是观众们可以忍受的。
3、作为一个排了不少作品的导演，你对得起灯光、舞美、音效、制作人、演员吗？他们花的力气也很多，可以让他们一起陪你被骂，你觉得你愧疚吗？！

观后感三：PUZZLE
不谈戏本身。
1、扬之水从来的传统是演而优则导，做而优则教。《阳光灿烂》的大器，《天堂》的刘大器导演；《saya nala》的男人，《蚁穴》的郭继瑞导演；或者之前的小刚，陶陶。一直都是这样，让人看着形成了习惯。也许现在是一个突破，舞台上看见了老人和新人的交替，但是传统微微地消失了。在我的观点里，变化不一定是好事。至少对这部作品来说是这样。
2、演后谈时，我没有看见华师大的同学们像往常一样和大家争论，甚至现场的观众也因为时间关系没有太多的机会，或者懒得去讨论些什么。再或者像去年马远那样跳出来，从灯光台桌子底下向台上大吼：“扬之水的，你们不要觉得自己太牛了，我们后面的也不差。”的惊人之举也没有了。一种属于扬之水的霸气和锐气没有了，取而代之的是谦逊和感谢。又是一种剧社传统的消失。
3、没有了阳光气息和幻想精神的剧本，取而代之的是一个一切遵从斯坦尼的舞台呈现。虽然道具搬得还是一样的漫不经心，可是我印象中的扬之水作品应该是阳光的，充满幻想的。《阳光灿烂》、《天堂》、《saya nala》、《蚁穴》让人觉得笑料很贴切，和适时。而《PUZZLE》却让我疑惑，为什么看一个侦探剧的时候我的笑声会这么响亮。
4、今天谢幕时，台上扬之水的成员只有一排，我很不习惯。我想看到一大票剧社成员站在台上的场面。那曾经是大话节的一道亮丽风景，可是今天的舞台显得冷冷清清。走出剧场我很失落，耳边居然没有回响着扬之水成员们兴奋的呼声。
5、我在等待下一次属于扬之水独有的阳光，幻想。

观后感二：零档案
闲话少说，直入主题。
看这个戏的时候我有两种两难的感觉。
第一难。我该集中注意力听作品里精彩的台词还是？《零档案》里的独白很出彩，果然是高人出品。可是我却情愿花更多的心思去看大家的肢体表演，孩子们的表演很出彩。他们经常创作出各种让人意想不到的桥段。人工马桶、人工窗帘、双簧、千手观音、人工课桌椅等等等等，都让人眼前一亮，现场观众的笑声可以为证。随着演出的深入，我在想的是后面会有什么样的惊喜会被发现。
第二难。我该如何定位这样一个作品。如果说《零档案》是一个传统的学生作品。那么它的排练方法应该是先有剧本，接着导演和编剧构思出大概的演出结构，然后大家在排练中讨论怎么给每一场加花。如果说它是一个工作坊作品，十个月的排练时间，有很大一部分光景是被用来做一些基本的素质训练，接着逐渐与文本结合，延伸出基于文本的舞台可能性，最后将基础练习成果和发展阶段成果整合起来。我的理智需要我认识到《零档案》是前者，可是感性的我又相信它是属于后者。
因为这些两难，我不知道应该如何去评价这样一部作品。它的舞台呈现估计会比其他作品来得细腻，可是这种细腻带来的文本与呈现的不协调，让人会在观看时顾此失彼；它的参与者们十年磨一剑的毅力让我佩服，可是这种学生当中的专业精神又让我很难根据一般标准去评判优劣。
所以，透过第一个为难，我想对这个戏的舞台呈现说，你们的肢体表现近乎完美，你们的团体配合堪称优秀，你们的舞台领悟力也毫无瑕疵，不过当一个豪华的木桶材料里多了一块短板——文本没有很好的结合到肢体呈现中，这个作品也就不能称为最优秀的。
所以，透过第二个为难，我想对这个戏的坚韧精神说，这样一个学生的节日里，咱们不和其他戏一较高低，咱们需要的是自己对这十个月来的认同，咱们需要挑战未来的可能性。